http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/176 Entrées d’index fr 0 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/703 In Caryl Churchill’s The Skriker (1994), reality and supernaturality crash into one another on the stage as well as in the characters’ language. As such, the play presents a riveting challenge for both translation and analysis. My research approached these two fronts by proposing a full translation of the play together with a commentary, and I became interested in the way in which the translation process and the hermeneutic process fuelled each other. The following essay sums up my findings, from thematic contents to dramaturgy, as I worked my way through these questions: what does the playwright mean? Is meaning more important than what words, rhythms, sounds are used to convey it? If not, how does all this carry over in translation, especially when confronted with the eponymous character’s shapeshifting, elusive language? The goal was also to produce a translation that carried the potential for a stage production. The translation strategy was built accordingly, into a method that prioritises rhythm and sound over meaning in order to engage the audience’s feelings rather than their rational understanding. Dans The Skriker (titre traduit : La Vocifère) de Caryl Churchill (1994), le réel et le surnaturel s’entrechoquent sur la scène autant que dans le langage des personnages. En ce sens, la pièce constitue un défi passionnant, à la fois de traduction et d’analyse. Ma recherche aborde ces deux aspects en proposant une traduction intégrale de la pièce complétée par un commentaire. La manière dont le processus de traduction et le processus herméneutique s’alimentent mutuellement a attiré mon attention. Le présent article résume le résultat de ces recherches, depuis les horizons thématiques jusqu’à la dramaturgie, animées par une volonté de répondre aux questions : que veut dire la dramaturge ? Le sens est-il plus important que les mots, rythmes et sons employés pour l’exprimer ? Dans le cas contraire, comment tout cela est-il pris en charge par la traduction, en particulier face au parler sonnant et trébuchant du personnage éponyme ? L’objectif était également de produire une traduction qui contienne les germes d’une production scénique. J’ai construit mon projet de traduction en ce sens, en plaçant la priorité sur le rythme et les sons plutôt que sur le sens, de manière à interpeler la sensibilité des spectateurs plutôt que leur compréhension rationnelle. mer., 29 janv. 2025 10:33:57 +0100 mer., 08 juil. 2026 11:53:19 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/703 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/225 Que s’est-il passé pour qu’un dramaturge phare du théâtre britannique à destination des adultes ait soudainement décidé d’écrire pour une petite compagnie de théâtre en milieu scolaire ? Empruntant aux Cultural Studies et à la sociologie de la littérature, ce mémoire de recherches rend compte de ce qui s’est joué politiquement et dramaturgiquement pour Edward Bond entre 1985 et 1995 pour le conduire à se reconvertir dans le théâtre jeunesse, alors que cette forme d’écriture est souvent envisagée par la critique comme une sous-littérature dramatique. Ce mémoire aborde les points de théorie politique, philosophique et dramaturgique sur lesquels Edward Bond fonde un réquisitoire sans concession et un rejet catégorique du théâtre britannique contemporain destiné aux adultes. On cherche également à y décrire les politiques publiques thatchériennes en matière d’arts et d’éducation, dans la mesure où ce contexte politique a favorisé à la fois la rupture du dramaturge avec les grands théâtres nationaux et l’apparition du mouvement du Theatre in Education, né en 1965 dans le sillage des théories de “l’éducation nouvelle” (New Education) de l’entre-deux-guerres. Ce travail historiographique cherche à décrire les déplacements qu’Edward Bond effectue dans le champ du théâtre britannique, qui connait des mutations profondes à la fin du XXe siècle. Il apparaît que les collaborations d’Edward Bond et des agents du Theatre in Education sont le produit d’une lutte théâtrale commune contre l’idéologie du libéralisme et en faveur de l’émancipation des enfants. What does it take for a canonic dramatist known for his plays for adults to suddenly decide to write for a small theatre company touring in British schools? Borrowing tools from the Cultural Studies as well as sociology of literature, this master’s thesis depicts what took place for Edward Bond politically and dramatically between 1985 and 1995. It is argued the historical situation has encouraged him to change his career path working for children’s theatre, even though this genre is often categorised as subliterature by literary critics. This work addresses various elements of the political, philosophical and dramaturgical theory that Edward Bond has developed throughout the years to severely criticise and categorically reject modern British adults’ theatre. Margaret Thatcher’s public policies regarding arts and education are largely described and analysed, since this political context favoured both the dramatist ceasing his collaboration with national theatres and the apparition of the Theatre in Education movement in 1965, in the wake of the New Education theories of the interwar period. This historiographical master’s thesis tries to describe Edward Bond’s shiftings across the British theatre field, which underwent deep and lasting mutations at the end of the last century. It appears that the collaborations between Edward Bond and Theatre in Education companies are the result of a common theatrical struggle against the ideology that produces liberalism, and in favour of the emancipation of children. lun., 13 janv. 2025 13:40:11 +0100 mer., 08 juil. 2026 10:20:48 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/225 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/161 This article presents a pioneering analysis of theatrical representations of the Armenian Catastrophe, applying Marianne Hirsch’s postmemory theories. It unveils the intricate connection between generational memory transmission and the dramatic structure of The Armenian Question, a two-act documentary courtroom drama co-written by Armenian-American director Anna Antaramian. Through a formal analysis of the script, supplemented by insights from correspondences with Antaramian and the Eastern Diocese of the Armenian Church of America, archival research, and play reviews, this study reveals how The Armenian Question translates real-life survivor interviews, the co-writer’s personal history, emotional responses, and processes of imaginative remembrance, into its documentary framework. It identifies dramaturgical elements that illustrate Hirsch’s concept of postmemory and demonstrates how theatre effectively communicates traumatic narratives of the past to the audience. This research deepens the understanding of traumatic events for both American and Armenian audiences, offering a more nuanced and subjective perspective. By bridging theory with practical insights, it contributes to the broader discourse on postmemory, trauma representation, and the transformative potential of theatre to engage with and reflect upon the legacies of collective suffering. Cet article présente une analyse novatrice des représentations théâtrales de la Catastrophe arménienne en appliquant les théories de la post mémoire de Marianne Hirsch. Il révèle l’interconnexion complexe entre la transmission de la mémoire générationnelle et la structure dramatique de La Question arménienne, un drame documentaire en deux actes co-écrit par la réalisatrice arméno-américaine Anna Antaramian. À travers une analyse formelle du texte de la pièce, complétée par des informations issues de correspondances avec Antaramian, du Diocèse oriental de l’Église arménienne d’Amérique, de recherches archivistiques et des critiques de la pièce. Cette étude révèle comment La Question arménienne explore les réponses émotionnelles et les processus de mémorisation imaginative dans le cadre documentaire grâce à des entretiens avec les survivants et l’histoire personnelle de la co-auteure. L’analyse identifie les éléments dramaturgiques qui illustrent le concept de post mémoire de Hirsch et démontre comment le théâtre tente de communiquer les récits traumatiques du passé au public. Cette recherche approfondit la compréhension des événements traumatiques à la fois pour le public américain et arménien, offrant une perspective plus nuancée et subjective. En établissant un lien entre la théorie et des perspectives pratiques, elle contribue au discours plus large sur la post mémoire, la représentation du traumatisme et le potentiel transformateur du théâtre questionnant les héritages de la souffrance collective. lun., 06 janv. 2025 15:34:03 +0100 mer., 08 juil. 2026 10:09:08 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/161