http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/290 Entrées d’index fr 0 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/484 While Shakespeare’s plays are of course not the only reference in immersive theatre, they have particularly interested immersive theatre over the recent years. Triggering new perspectives of scenography and interpretation, immersion has proved to be a way for companies to reimagine Shakespeare’s world while keeping the seventeenth-century language alive and “authentic.” Quite blatantly, the productions tend to indicate that tragedies, particularly Macbeth, Hamlet or Romeo and Juliet, are more regularly explored. Why are these plays more fashionable than others? What are the conventions requested for these theatrical performances? Are these often-ephemeral installations an efficient way to approach Shakespeare’s theatre, both structurally and aesthetically? With the help of the archives of the companies, this paper tries to account for the assets of immersive productions in Shakespearean adaptation today. Bien que Shakespeare ne constitue pas la seule référence dans ce domaine, ces dernières années, il a particulièrement intéressé le théâtre immersif. Parce qu’elle offre de nouvelles perspectives de scénographie et d’interprétation, l’immersion s’est avérée une façon pour les compagnies de ré-imaginer le monde de Shakespeare tout en conservant la langue du dix-septième siècle vivante et « authentique ». De manière frappante, les spectacles tendent à montrer que les tragédies, particulièrement Macbeth, Hamlet, ou Roméo et Juliette, sont plus régulièrement explorées. Pourquoi ces pièces sont-elles plus « à la mode » que d’autres ? Quelles sont les conventions requises par ces performances théâtrales ? Ces installations souvent éphémères s’avèrent-elles une façon efficace de mieux cerner la structure et l’esthétique du théâtre de Shakespeare ? À l’aide des archives des compagnies, cette étude tente de relever l’intérêt que présente le théâtre immersif dans le champ de l’adaptation shakespearienne aujourd’hui. lun., 20 janv. 2025 15:23:59 +0100 mer., 08 juil. 2026 11:12:44 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/484 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/289 Cette contribution propose de mettre en regard la tragédie de Shakespeare et la suite que lui invente David Greig à travers un prisme particulier : les voix d’enfants et d’adolescents qui s’y élèvent. Dans Macbeth (1606), à peine entendons-nous Fleance et le fils de Lady Macduff ; quant au fils historique de Lady Macbeth, présent dans les chroniques de Holinshed, Shakespeare l’a tout simplement ignoré. Dans Dunsinane (2010), en revanche, nombreuses sont les voix d’enfants et d’adolescents : celle de Lulach, mais aussi celle de l’Enfant soldat qui ponctue chaque saison nouvelle ; celles des très jeunes Écossais faits prisonniers, mais aussi celles des très jeunes militaires du rang de l’armée anglaise. Que nous disent ces voix et pourquoi Greig les réintroduit-il avec force dans sa pièce ? Quel rôle jouent-elles dans sa réappropriation de la pièce écossaise par les Écossais ? Comment sont-elles prises dans les zones d’incompréhension et de malentendus politiques entre l’Angleterre et l’Écosse ? En quoi contribuent-elles à conférer une dimension universelle à Dunsinane ? This contribution proposes to compare Shakespeare’s tragedy and the sequel David Greig invented to it through a particular prism: the voices of children and adolescents. In Macbeth (1606), Fleance and Lady Macduff’s son are barely heard; as for Lady Macbeth’s historical son, present in Holinshed’s chronicles, he is just ignored by Shakespeare. Yet, in Dunsinane (2010), there are many voices of children and adolescents: that of Lulach, but also that of the Boy Soldier which punctuates each new season; those of the very young Scots taken prisoner, but also those of the very young soldiers belonging to the English army. What do these voices tell us and why does Greig reintroduce them so dramatically into his play? What role do they play in his re-appropriation of the Scottish play by the Scots? How are they caught in areas of political incomprehension and misunderstanding between England and Scotland? How do they contribute to giving a universal dimension to Dunsinane? mer., 15 janv. 2025 09:40:58 +0100 mer., 08 juil. 2026 10:36:50 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/289 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/966 Romeo and Juliet in Baghdad, written by Monadhil Daoud Albayati, was commissioned by the World Shakespeare Festival in 2012. The festival aimed at commemorating the influence of Shakespeare across the globe and celebrating international adaptations and co-productions of his plays. The setting of the World Shakespeare Festival naturally encouraged cross-cultural adaptations, i.e. transpositions into cultural, political or religious contexts different from those of the hypotext. Daoud Albayati’s adaptation decentres Romeo and Juliet and sets the play in Iraq, in the context of the invasion of the country by the forces of the Coalition. Based on Linda Hutcheon’s concept of “transculturation”, this article will analyse the incorporation of cultural Iraqi elements into the plot: although the play was a commission, Daoud Al-Bayati wanted to address his people first and foremost, even if it meant that Romeo and Juliet in Baghdad was sometimes obscure to a Western audience. This article will also address the paradox of using the Shakespearean canon, which to this day occupies an ambivalent position in the cultural landscapes of former British colonies and mandates, to draw the attention of a European audience to the tragic fate of Iraq after its invasion by British and American forces. Romeo and Juliet in Baghdad, écrit par Monadhil Daoud Albayati, est une pièce de commande pour le World Shakespeare Festival qui a eu lieu en 2012. Ce festival ambitionnait de commémorer l’influence de Shakespeare à travers le monde et de célébrer les adaptations et coproductions internationales de ses pièces. Le cadre du World Shakespeare Festival a naturellement encouragé les adaptations interculturelles, c’est-à-dire les transpositions dans des contextes culturels, politiques ou religieux différents de ceux de l’hypotexte. L’adaptation de Daoud Albayati décentre Romeo and Juliet et situe la pièce en Irak, dans le contexte de l’invasion du pays par les forces de la Coalition. En s’appuyant sur le concept de « transculturation » de Linda Hutcheon, cet article analysera l’incorporation d’éléments culturels irakiens dans l’intrigue : bien que la pièce soit une commande, Daoud Albayati a voulu s’adresser avant tout à son peuple, même si cela signifie que Romeo and Juliet in Baghdad demeure parfois obscur pour un public occidental. Cet article abordera également le paradoxe de l’utilisation du canon shakespearien, qui occupe aujourd’hui encore une position ambivalente dans les paysages culturels des anciennes colonies et mandats britanniques, afin d’attirer l’attention d’un public européen sur le destin tragique de l’Irak après son invasion par les forces britanniques et américaines. jeu., 11 sept. 2025 14:37:53 +0200 lun., 06 juil. 2026 11:03:41 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/966 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/954 This article reflects on the iterability of a specific play on the contemporary stage: Shakespeare’s and Fletcher’s Henry VIII. The text, deemed to be a “bad” play compared to others in the Shakespearean canon, is often criticized for its lack of a clear structure. Nonetheless, two companies decided to stage it recently: Shakespeare’s Globe (UK) offered a rewriting of the text and made it part of its summer season in 2022, and the Baltimore Shakespeare Factory (USA) staged it in April 2023 for its first in-person performance since the pandemic. This article articulates how the play was perceived by audiences and critics with the artistic endeavors of both companies. Using data collected through surveys and interviews with spectators, it reflects on the reception of an unpopular play, and questions its iterability on the contemporary anglophone stage. Cet article réfléchit à l’itérabilité de la pièce Henry VIII de Shakespeare et Fletcher sur la scène contemporaine. En effet, ce texte, considéré comme une « mauvaise pièce » parmi le canon shakespearien, est souvent critiqué pour son manque de structure. Malgré cela, deux compagnies ont choisi de mettre en scène cette pièce récemment. Le théâtre du Shakespeare’s Globe (RU) a proposé une réécriture du texte dans le cadre de sa saison d’été en 2022, et la Baltimore Shakespeare Factory (USA) l’a mis en scène en avril 2023 pour sa première représentation en présentiel depuis la pandémie. Cet article articule la réception de la pièce par les critiques et les publics avec les efforts artistiques entrepris par ces deux compagnies afin de mettre en scène ce texte. Les données récoltées lors d’enquêtes et d’entretiens avec les spectateurs ont permis de réfléchir à la réception d’une pièce impopulaire, et d’interroger la possible itérabilité de ce texte sur la scène contemporaine anglophone jeu., 11 sept. 2025 11:48:35 +0200 lun., 06 juil. 2026 11:00:38 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/954 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/899 Recent seasons on the British stage have shown the increase of adaptations of Shakespeare’s plays that are not merely aesthetic revisions nor textual reductions but full and innovative rewritings by contemporary playwrights, but what is striking in the post-noughties is that most of them enhance the female roles in a radical way. This has been the case of Emilia by Morgan Lloyd Malcolm, a play starring the Sonnets’ Dark Lady. When it was produced at the Globe in 2019, three black actresses shared the main part while another one performed Shakespeare. The play was also directed by a woman, Nicole Charles. As for The Cordelia Dream written by Marina Carr, it was produced by the RSC in 2008 and, more recently, at the Irish Repertory Theatre in July 2021 (dir. Joe O’Byrne), illustrating the conflictual relationship between a father and his favourite but too neglected daughter. If the attraction for Shakespeare’s background as well as for the reinvention of his plays are not new, the motivations underlying the recent rewritings and the impact they generate on Shakespearean scholars, readers and audiences should be questioned. This article proposes to investigate on the way four authors have recently reworked two of the playwright’s most authoritarian plays―King Lear and Othello―from a feminine (and feminist?) point of view. While studying Marina Carr’s The Cordelia Dream, Toni Morrison’s Desdemona, Elaine Feinstein’s Lear’s Daughters and Paula Vogel’s Desdemona, a Play with a Handkerchief, we shall interrogate the notion of adaptation that makes repetition and renewal cohabit, so that we better remember and forget Shakespeare all at one time. Récemment les théâtres britanniques ont programmé un grand nombre d’adaptations de pièces de Shakespeare qui ne sont pas simplement des révisions esthétiques ou des réductions textuelles, mais des réécritures complètes et novatrices par des dramaturges contemporains, mais ce qui frappe depuis les années 2000, c’est que la plupart d’entre elles mettent sur le devant de la scène les rôles féminins de manière radicale. C’est le cas d’Emilia de Morgan Lloyd Malcolm, une pièce qui met en scène la Dame noire des Sonnets. Lors de sa création au Globe en 2019, sous la direction d’une femme, Nicole Charles, trois actrices noires se sont partagé le rôle principal tandis qu’une autre interprétait Shakespeare. The Cordelia Dream, écrite par Marina Carr, a quant à elle été créée par la RSC en 2008 et, plus récemment, a été montée à l’Irish Repertory Theatre en juillet 2021 sous la direction de Joe O’Byrne, illustrant la relation conflictuelle entre un père et sa fille préférée mais trop négligée. Si l’attrait pour la vie de Shakespeare et pour la réinvention de ses pièces n’a rien de nouveau, il convient de s’interroger sur les motivations qui sous-tendent les récentes réécritures et sur l’impact qu’elles produisent sur les spécialistes de Shakespeare, les lecteurs et le public. Cet article se propose d’étudier la manière dont quatre auteurs ont récemment retravaillé deux des pièces les plus autoritaires du dramaturge ‒ Le Roi Lear et Othello ‒ d’un point de vue féminin (et féministe ?). En étudiant The Cordelia Dream de Marina Carr, Desdemona de Toni Morrison, Lear’s Daughters d’Elaine Feinstein et Desdemona, a Play with a Handkerchief de Paula Vogel, nous interrogerons la notion d’adaptation qui fait cohabiter répétition et renouvellement, pour mieux nous souvenir et oublier Shakespeare tout à la fois. mar., 02 sept. 2025 15:52:13 +0200 lun., 06 juil. 2026 10:38:20 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/899