http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/433 Immersive theatre is a booming trend in contemporary performing arts. The unifying feature of the plays, or “experiences” that fall into this “genre” is that they place the spectator at the core of the scenic device; they shred the boundary between the stage and the audience and merge the two into a single space. The works meld various practices and media and find inspiration in traditional theatre, as well as in literature, cinema and video games. Primarily, though, they take the spectators to universes specially devised for the occasion. This issue gathers articles by both theorists and practitioners to give insight into these immersive practices (in France as well as in the English-speaking world), their aesthetics and politics. Furthermore, the volume features Sébastien Bonnabel’s previously unpublished immersive play, Cyrano Ostinato Fantasies. Numéros fr lun., 20 janv. 2025 08:29:14 +0100 lun., 13 juil. 2026 11:50:44 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/433 0 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/437 lun., 20 janv. 2025 08:29:51 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/437 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/460 Community Plays as invented and conceptualised by Ann Jellicoe in the 1970s are not Immersive Theatre, but they are certainly precursors of the form. The article centres on the seven Community Plays written for the city of Dorchester and its inhabitants since 1985, exploring how the hundreds of participants become engrossed in the long creative process in ways that are similar to what immersants experience in an immersive play. But the audience is in its turn invited to participate during the performances, not only interacting with the cast but also really becoming part of an enlarged community. Moreover, the immersive techniques used have a political potency: in creating together and sharing their emotions, views and ideas, all the participants experience commonality not only as a form but also as an ideology which is at odds with the individualistic stance of a lot of immersive plays. Les Community Plays, imaginées et conceptualisées par Ann Jellicoe dans les années 1970, ne peuvent être qualifiées de théâtre immersif. Pour autant, elles en sont un des précurseurs. Cet article s’intéresse aux sept Community Plays écrites pour la ville de Dorchester et ses habitants depuis 1985. Il explore la façon dont les centaines de participants se trouvent absorbés tout au long du processus créatif, selon des modes qui rappellent ce que ressentent les immersants. Par la suite, les spectateurs sont à leur tour invités à participer, dépassant la seule interaction avec les acteurs pour devenir véritablement membres de la communauté élargie. Mais les techniques immersives que l’on retrouve dans les Community Plays ont une portée politique : en partageant leurs émotions, leurs idées et leurs idéaux et en créant ensemble, tous les participants font l’expérience de la communauté, non seulement comme forme d’art mais aussi comme idéologie, une idéologie aux antipodes de l’individualisme souvent prôné par le théâtre immersif. lun., 20 janv. 2025 14:00:32 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/460 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/472 Domaine nomade at the Lesdiguière Hotel-School is a site-specific artwork by choreographer Laurent Pichaud that was programmed in March 2019 in Grenoble by the Centre de Développement Chorégraphique National Le Pacifique. It is a hybrid piece, at the crossroads of promenade, site-specific and participatory performance, where audience members experience a series of “intermittent immersions.” Based on a joint analysis of the artwork, its production context and the choreographer’s words, this paper adopts a socio-aesthetic perspective to investigate the conception of the relationship between artist, oeuvre and audience that is defended through this way of “plac[ing] the audience at the heart of the work” (Machon 21). The objective is twofold: on the one hand, to define the ends to which Laurent Pichaud alternates techniques to immerse and displace; on the other hand, to see how these ends fit with the values usually associated with the subsidised sector of French performing arts, where immersion and participation are increasingly used to draw out relational dialogue. Création in situ du chorégraphe Laurent Pichaud, ­domaine nomade au lycée Lesdiguières a été présentée par le Centre de Développement Chorégraphique National Le Pacifique à Grenoble en mars 2019. C’est une œuvre hybride, à la croisée de la déambulation, de la danse située et de la performance participative, qui implique les spectateurs dans une série d’« immersions intermittentes ». Fondé sur une analyse conjointe de la proposition artistique, de son contexte de production et de la parole du chorégraphe, cet article adopte une perspective socio-esthétique pour interroger la manière singulière dont le chorégraphe « place le public au centre de la création » (Machon 21), ainsi que la conception des relations entre artiste, œuvre et spectateur qui sous-tend sa démarche. L’objectif est double : il s’agit d’une part de cerner les enjeux de l’alternance entre procédés immersifs et « déterritorialisants » orchestrée par Laurent Pichaud, d’autre part d’examiner comment ces enjeux s’accordent avec les valeurs du théâtre public français, qui recourt de plus en plus à la participation et à l’immersion pour refonder sa relation au public et à la population. lun., 20 janv. 2025 14:27:19 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/472 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/484 While Shakespeare’s plays are of course not the only reference in immersive theatre, they have particularly interested immersive theatre over the recent years. Triggering new perspectives of scenography and interpretation, immersion has proved to be a way for companies to reimagine Shakespeare’s world while keeping the seventeenth-century language alive and “authentic.” Quite blatantly, the productions tend to indicate that tragedies, particularly Macbeth, Hamlet or Romeo and Juliet, are more regularly explored. Why are these plays more fashionable than others? What are the conventions requested for these theatrical performances? Are these often-ephemeral installations an efficient way to approach Shakespeare’s theatre, both structurally and aesthetically? With the help of the archives of the companies, this paper tries to account for the assets of immersive productions in Shakespearean adaptation today. Bien que Shakespeare ne constitue pas la seule référence dans ce domaine, ces dernières années, il a particulièrement intéressé le théâtre immersif. Parce qu’elle offre de nouvelles perspectives de scénographie et d’interprétation, l’immersion s’est avérée une façon pour les compagnies de ré-imaginer le monde de Shakespeare tout en conservant la langue du dix-septième siècle vivante et « authentique ». De manière frappante, les spectacles tendent à montrer que les tragédies, particulièrement Macbeth, Hamlet, ou Roméo et Juliette, sont plus régulièrement explorées. Pourquoi ces pièces sont-elles plus « à la mode » que d’autres ? Quelles sont les conventions requises par ces performances théâtrales ? Ces installations souvent éphémères s’avèrent-elles une façon efficace de mieux cerner la structure et l’esthétique du théâtre de Shakespeare ? À l’aide des archives des compagnies, cette étude tente de relever l’intérêt que présente le théâtre immersif dans le champ de l’adaptation shakespearienne aujourd’hui. lun., 20 janv. 2025 15:23:59 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/484 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/493 As VR technologies develop and start to infiltrate British theatre venues and companies, and even spectators’ homes with LIVR—the world’s first virtual reality theatre content platform—, they also seem to have simultaneously injected a new “immersive” vigour and vitality into the flourishing field of contemporary documentary theatre. Whilst documentary methodologies are commonly used by site-specific and immersive theatre makers, their recent association with VR has to this date been relatively ignored. Through a close study of the National Theatre’s Home: Aamir (2016), an immersive 360 verbatim documentary about a Sudanese refugee who lived in the Calais “Jungle” camp, and Jayisha Patel’s Notes to my Father (2017), narrating the true story of a survivor of child trafficking and her father, this article will attempt to address this gap and evaluate the capacity of spectators to be “affected” by this new breed of immersive and politically-engaged documentary theatre. Dans un contexte actuel marqué par le développement croissant des technologies de réalité virtuelle sur la scène britannique, allant parfois jusqu’aux domiciles des spectateurs avec la plateforme LIVR (la première entreprise de théâtre de réalité virtuelle à la demande), on voit poindre un nouveau genre de théâtre documentaire plus immersif et technologique que ses prédécesseurs qui fera ici l’objet de cet article. En effet, si les méthodologies documentaires sont désormais l’apanage des praticiens du théâtre immersif et in situ, l’utilisation récente de la réalité virtuelle par ces derniers est quant à elle relativement ignorée par la critique. À travers l’étude des spectacles Home: Aamir (National Theatre, 2016) et Notes to my Father (2017) de Jayisha Patel, cet article permettra ainsi de poser les premiers jalons théoriques de ce nouveau théâtre immersif qui se veut à la fois politique et documentaire. mer., 22 janv. 2025 08:43:35 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/493 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/500 This article examines the ambiguities and contradictions that may result from the spectator’s involvement in participatory and immersive performances. Although audience participation is not a recent aesthetic concern, the collaborative practice has become an ever-increasing tendency that requires a new understanding and critical approach. The interaction with the performers and the reversal of roles does not always succeed in making the spectator an independent agent. As this paper will demonstrate by analysing the oscillation of spectatorship between a sense of community and narcissistic participation, the promise of temporary immersion in a new different reality is not a guarantee of democratic participation and the emancipation of the spectator. In some cases, the increasing attention to the aesthetic of immersion and participation may provoke a capitulation to “presentness,” with the risk of falling within the pitfall of a cynical market of presentism and narcissistic self-exploitation at the expense of the overall performance aesthetic value. Cet article examine les ambiguïtés et les contradictions qui peuvent résulter de l’implication du spectateur dans la création des performances participatives et immersives. Bien que la participation du public ne soit pas un phénomène esthétique récent, la pratique collaborative dans les arts est devenue une tendance croissante qui nécessite une nouvelle compréhension et approche critique. L’interaction avec les performers et le renversement des rôles pendant le déroulement de la performance ne rendent pas nécessairement le spectateur un participant indépendant et non manipulable. Comme cet article le démontrera à travers l’analyse de la flexibilité du spectateur entre un sens de communauté et la participation narcissique, la promesse d’une immersion temporaire dans une réalité différente ne garantit pas la participation démocratique et l’émancipation du spectateur. Dans certains cas, le fort intérêt pour l’esthétique de l’immersion et de la participation risque de succomber au marché cynique du présentéisme et à l’auto-exploitation narcissique au détriment de la valeur esthétique de la performance. mer., 22 janv. 2025 09:06:51 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/500 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/512 This article looks at dramaturgical practices within a recent visual and immersive migrant theatre and refugee performance initiative that questions both the politics and representations of memory. Drawing on Caroline Williams and Reem Karssli’s recent performance work Now Is The Time to Say Nothing (2018), I examine emerging dramaturgical models that deal directly with both lived and witnessed memories of war and refugeedom today. The article maps new aesthetics created through visual and immersive dramaturgical practices and explore the ways in which such aesthetics might challenge and shape existing testimonial narratives of migration. This production is an important work among a growing number of visual and participatory initiatives that build on activist aesthetics. I will argue that such explorations are increasingly important as they challenge dominant media portrayals and foster a re-evaluation of complex identities and ideologies amidst recent shifts in global politics and economics. Cet article examine les pratiques dramaturgiques dans le cadre d’une récente initiative du théâtre visuel et immersif des migrants et des réfugiés qui remettent en question à la fois la politique et les représentations de la mémoire. En nous appuyant sur les récents travaux de Caroline Wake et de Reem Karssli, Now Is The Time To Say Nothing (2018), nous examinerons les modèles dramaturgiques émergents traitant directement des souvenirs et témoignages de guerre et des réfugiés contemporains. Cet article dressera la carte des nouvelles esthétiques créées par des pratiques dramaturgiques visuelles et immersives tout en explorant les façons dont ces esthétiques pourraient remettre en question et façonner les récits testimoniaux existants sur la migration. La présente production est un travail important parmi un nombre croissant d’initiatives visuelles et participatives qui s’appuient sur l’esthétique activiste. Nous soutenons que cette exploration est de plus en plus importante, car elle remet en question les représentations médiatiques dominantes et favorise une réévaluation d’identités et d’idéologies complexes dans le contexte des changements récents de la politique et de l’économie mondiale. mer., 22 janv. 2025 09:29:41 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/512 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/524 What are the dramaturgical challenges posed by making small-scale immersive theatre? This article will explore how we made the immersive performance dining event Eating for Victory (2015), charting the ways in which we wove together text, choreography, devised performance, audience interaction, design and food. In London, from 2013-2015, we ran Hush Hush Hoopla, a small, experimental company specialising in immersive performance events involving food and storytelling. As audience-participants at many immersive shows by companies such as Punchdrunk, Secret Cinema and Gingerline HQ, we watched the rise of these companies that created heavily designed, atmospheric events with little narrative or character-driven content for the newly-minted experience economy. We conceived our company in order to create intimate but affordable performance events with food, designed to entertain, provoke, engage and nourish our audiences. This article will deconstruct and provide an insight into the process of making Eating for Victory, as well as the challenges posed by making small-scale immersive theatre in the UK. Quels sont les défis dramaturgiques posés par la réalisation de théâtre immersif à petite échelle ? Cet article explorera comment nous avons créé l’événement de performance immersive Eating for Victory (2015), tracer les façons dont nous avons lié ensemble texte, chorégraphie, conception de la performance, interaction avec le public, design et nourriture. À Londres, de 2013 à 2015, nous avons dirigé Hush Hush Hoopla, une petite compagnie de théâtre expérimental spécialisée dans les événements de performance immersifs impliquant nourriture et narration. En tant que spectatrices parti­cipant à de nombreux spectacles immersifs de compagnies telles que Punchdrunk, Secret Cinema et Gingerline HQ, nous avons assisté à la montée en puissance de ces compagnies qui ont créé des spectacles à l’atmosphère et aux décors particulièrement travaillés qui s’inscrivent dans la nouvelle « économie de l’expérience » mais tendent à délaisser le travail autour de la trame narrative et des personnages. Nous avons conçu notre compagnie afin de créer des événements de performance intimes mais abordables avec de la nourriture, conçus pour divertir, provoquer, engager et nourrir notre public. Cet article déconstruira et fournira un aperçu du processus de fabrication de Eating for Victory, ainsi que des défis posés par la création de théâtre immersif à petite échelle au Royaume-Uni. mer., 22 janv. 2025 10:13:35 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/524 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/537 This essay focuses on Then She Fell, a fully immersive, multi-sensory experience in which only fifteen audience members per performance explore a dreamscape, inspired by the life and writings of Lewis Carroll, promising to offer “an Alice-like experience for audience members.” The production by Third Rail Projects, a Brooklyn-based devised dance/theatre company, opened in October 2012, playing 4,444 performances for seven and a half years. As this essay investigates, the success of immersive productions such as Then She Fell is due to the sensory stimulation and intimacy of the performer/participant interactions, and the in-person immersive theatrical experiences such connections create. In a world of heightened sensory awareness, Then She Fell engages the entire human sensorium, thereby creating a personalized performance experience for all involved. Here performance theorists, such as Josephine Machon and Jacques Rancière, are considered in relationship to how Then She Fell illustrates somatic interaction. It is this interaction that bridges the gap between performer and participant, in order to connect and engage all the sensory perceptions that the traditional nineteenth-century proscenium, fourth-wall theatre was not designed to achieve. The value of somatic evaluation in performance is mapped in this essay, as to how immersive performance places both creators/performers and participants in a symbiotic relationship that shares cognitive cultural, physical, and emotional stimulants. Cet article prend pour objet Then She Fell, une expérience immersive et multi-sensorielle dans laquelle quinze participants explo­rent un environnement onirique inspiré de la vie et de l’œuvre de Lewis Carroll. Cette production de la compagnie de danse et de théâtre Third Rail Projects promet au public de vivre une expérience similaire à celle du personnage d’Alice. Depuis octobre 2012, elle s’est jouée 4 444 fois sur une durée de sept ans et demi. Comme le montre cet article, le succès d’une production immersive comme Then She Fell s’explique par la stimulation sensorielle, l’intimité des interactions entre acteurs et participants et les expériences que de telles connexions créent. Dans un monde où la conscience sensorielle se voit accrue, Then She Fell mobilise l’intégralité du spectre sensible, créant de ce fait une expérience personnalisée et incarnée pour chaque participant. Les écrits de Josephine Machon et Jacques Rancière sont ici mobilisés pour envisager la façon dont Then She Fell illustre l’interaction somatique des corps. C’est cette interaction qui permet de combler l’écart entre l’acteur et le participant, afin de connecter et d’engager toutes les perceptions sensorielles que la salle de théâtre traditionnelle du xixème siècle et le quatrième mur n’étaient pas à même d’atteindre. Cet article cartographie l’importance de la corporalité dans la production, afin de déterminer comment la performance immersive génère une relation symbiotique entre les créateurs, acteurs et participants alors exposés à des mêmes stimuli émotionnels, physiques, culturels et cognitifs. mer., 22 janv. 2025 10:29:44 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/537 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/549 mer., 22 janv. 2025 10:43:12 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/549 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/550 mer., 22 janv. 2025 11:29:04 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/550 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/551 ven., 24 janv. 2025 09:55:18 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/551 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/553 Throughout the nineteenth century the Irish body was excluded, distorted, deprived of its organic, plastic, verbal, and linguistic function onstage and offstage. Contemporary Irish drama seeks to stage the spectacle of this infected, tormented, and famished Irish flesh which internalized physical and historical stigmas that have been transposed into types and stereotypes onstage. Contemporary Irish drama tries to reinvent and reconquer this corporeal identity to make it a postmodern and postcolonial Celtic body: a body given new status revalorized through a katabatic process, through an ontological and bodily experience based on the ritual. By integrating the choreographic body inherited from druidic dances, Contemporary Irish drama reinvents an identity for the Irish stage and anchors it into its contemporaneity. From a theatre of inertia to a physical theatre, contemporary Irish drama stages the revenge of a postcolonial and even a decolonial Gaelic body that hankers after words. Tout au long du dix-neuvième siècle, le corps irlandais s’est vu exclu, tordu, dépouillé tant de sa fonction organique que verbale et linguistique sur scène et hors scène. Le théâtre irlandais contemporain cherche précisément à mettre en scène le spectacle de cette chair irlandaise infectée, tourmentée, affamée et qui a intériorisé ces stigmates physiques sous la forme de types et de stéréotypes scéniques. La scène théâtrale irlandaise contemporaine réinvente et reconquiert cette identité corporelle pour en faire un corps postmoderne et postcolonial celtique, c’est-à-dire un corps revalorisé à travers le processus catabatique, à travers l’expérience ontologique et charnelle du rite. L’intégration d’un corps chorégraphique permet à ce nouveau théâtre de se réinventer une identité scénique et d’intégrer le corps dans sa contemporanéité. D’un théâtre de l’inertie à un théâtre physique, le théâtre contemporain cherche à mettre en scène la revanche d’un corps postcolonial et décolonial gaélique animé d’une soif de mots. lun., 27 janv. 2025 09:44:27 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/553 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/443 lun., 20 janv. 2025 09:49:00 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/443 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/445 lun., 20 janv. 2025 10:09:16 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/445 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/447 Drawing on definitive accounts of history and process presented in The Punchdrunk Encyclopaedia (Machon with Punchdrunk 2019), this article surveys the practice of Punchdrunk, pioneers of immersive performance in Britain. Focusing on Punchdrunk’s The Drowned Man: A Hollywood Fable (2013-14), the discussion addresses the central themes of space and the aesthetics of intimacy in immersive performance; the place of the text in immersive theatre; and the types of audience attracted to Punchdrunk work specifically, and immersive work more broadly. It highlights the significance of “the cinematic” to Punchdrunk’s unique approach and the way this impacts audience experience and interpretation. S’appuyant sur l’histoire de Punchdrunk et ses procédés artistiques présentés dans l’ouvrage séminal The Punchdrunk Encyclopaedia (Machon et Punchdrunk 2019), cet article explore la pratique de cette compagnie pionnière des performances immersives en Grande Bretagne. Le propos, centré sur le spectacle The Drowned Man: A Hollywood Fable (2013-14), aborde les thèmes centraux de l’espace et de l’esthétique intimiste dans l’immersif, la place du texte dans ce théâtre ainsi que le type de public qu’attire le travail de Punchdrunk en particulier et, plus largement, les spectacles immersifs. L’article souligne l’importance de l’esthétique cinématographique dans l’approche singulière de Punchdrunk et la manière dont celle-ci informe l’expérience et l’interprétation du public. lun., 20 janv. 2025 12:17:57 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/447 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/1276 mer., 08 juil. 2026 10:57:50 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/1276