http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/72 This volume means to articulate contemporary performance with the dynamics of gender, sexuality and racial productions. It confronts the politics of representation by combining plural approaches of minoritized groups to hear out a multitude of voices fracturing hegemonic oppressive constructions. The contributors explore a wide range of forms and themes that yield complex performances of what it can mean to crisscross identities and identifications in novel manners. From theater history (staging of US playwrights in France or Armenian documentary theater in New York City) to the deciphering of the effects of Black queer rap through lyrics, videos and social media by way of the traditional stage, like improv theater and queer theater. It becomes clear that a dynamic politics of representation can only emerge from a transdisciplinary approach, as in this volume with the conceptual hybridizing of philosophy, history, sociology, politics, media studies and, of course, theater and performance studies. Included in this issue, two interviews—one with a major US theater scholar, the other with an emerging theater maker—prolong how theater has and continues to produce confluences of experiences through personal, intimate and expert voices. The play published here for the first time enriches greatly the meaning of contemporary drama through a metatheatrical voyage through queer lives. Finally, the publication of the RADAC Master’s Prize provides an apt afterword by decentering the issue and by taking us into the deeply socially-conscious world of Edward Bond. Numéros fr mer., 18 déc. 2024 08:38:12 +0100 lun., 13 juil. 2026 11:33:23 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/72 0 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/126 As debates about the decolonization of theatre come to the fore in the post-pandemic world, in France, scholars are turning increasingly to director, Jean-Marie Serreau (1915-1973). I explore the only US plays in his repertoire: Adrienne Kennedy’s Funnyhouse of a Negro (1964) and Edward Albee’s The Death of Bessie Smith (1959). I argue, with the help of the archives, that these productions cannot be assimilated neatly into Serreau’s work on Francophone Négritude writers or the anti-racist avant-garde of the Black Arts Movement in the United States of the 1960s. Rather these productions encapsulate a negative universalism that reflects the director’s interest in the Theatre of the Absurd. This aesthetic is mobilized in the service of highlighting the intersectional struggles of Black women. A l’heure où le débat sur la décolonisation du théâtre prend de l’ampleur, le travail du metteur en scène Jean-Marie Serreau (1915-1973) attire de plus en plus d’attention. Cet article s’attache à étudier les pièces étatsuniennes de son répertoire : Funnyhouse of a Negro (1964) d’Adrienne Kennedy et The Death of Bessie Smith (1959) d’Edward Albee. A l’aide d’un travail sur les archives, nous avancerons l’idée selon laquelle ces mises en scènes ne peuvent pas être réduites à l’intérêt que portait Serreau pour les écrivains associés au mouvement francophone de la Négritude. Il n’est pas pour autant possible de les aligner avec l’avant-garde anti-raciste du Black Arts Movement aux États-Unis des années 1960. Ces mises en scène semblent démontrer un universalisme négatif qui correspond au travail de Serreau sur les pièces du théâtre de l’absurde. La mobilisation de cette esthétique sert à mettre en relief les discriminations intersectionnelles de femmes noires. lun., 06 janv. 2025 15:00:30 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/126 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/142 Improvisational theater and democratic political practice share the assumption of a universal, Humanist egalitarianism. However, improv’s overwhelmingly white demography and recurring instances of on-stage anti-Blackness suggest there are specifically anti-Black modes of exclusion that cannot be grasped within this idealist framework. The essay recognizes the urgency of a more profound and structural theoritization and argues in the Afropessimist tradition that anti-Blackness is structurally constitutive of modern Human subjectivity, which is required for egalitarian play in improv as well as political participation. It also addresses the (un)conscious and embodied structures of feeling that govern the white, intuitive decision-making so essential to the performances and practices of improv and democracy. Engaging with three accounts of anti-Black instances on the improv stage, the essay zooms in on the racial epistemological and affective ground for Humanist intuition, reveals the shortcomings of concepts like “stereotype” or “misrepresentation”, and suggests different routes for analyzing the presence of (anti-)Blackness in improvised performance in and against the dehumanizing paradigm of modernity. Analyzing improv as a pars pro toto case study, this essay reaches far beyond its immediate object by addressing its core political assumptions, questioning the liberal belief system of teleological and hopeful improvement of (and naming its complicity in) the anti-Black condition in which Western subjects and non-subjects continue to exist. Le théâtre d’improvisation et la pratique politique démocratique partagent l’hypothèse d’un égalitarisme humaniste universel. Cependant, la présence majoritairement blanche des acteur.rice.s du théâtre d’improvisation et les exemples récurrents de racisme anti-noir sur scène suggèrent qu’il existe des modes d’exclusion spécifiquement anti-Noirs qui ne peuvent être compris au sein de ce cadre artistique idéaliste. L’essai reconnaît l’urgence d’une théorisation plus profonde et structurelle et soutient, dans la tradition afropessimiste, que l’anti-Noirceur est structurellement constitutive de la subjectivité humaine moderne, qui est pourtant requise pour un jeu égalitaire dans le théâtre d’improvisation aussi bien que dans l’engagement politique. L’article aborde également les structures (in)conscientes et incarnées des affects qui régissent la prise de décision intuitive fondée sur la blanchéité qui est si centrale pour la représentation de la pratique du théâtre d’improvisation et de la démocratie. En explorant trois récits anti-Noirs joués sur une scène d’improvisation, l’essai se concentre sur le fondement épistémologique et affectif racialisé de l’intuition humaniste, révélant les lacunes de concepts tels que le “stéréotype” et la “distorsion représentationnelle” afin de suggérer différentes voies pour analyser la présence de la (anti-)Noirceur sur scène, à la fois au sein et contre le paradigme déshumanisant de la modernité. Analysant l’improvisation comme une étude de cas pars pro toto, cet essai dépasse son objet initial en questionnant ses présupposés politiques fondamentaux et en remettant en question le système de croyance libéral et sa foi en l’amélioration téléologique et optimiste (et en dénonçant sa complicité avec celle-ci) de la condition anti-Noire dans laquelle les sujets et les non-sujets occidentaux continuent d’exister. lun., 06 janv. 2025 15:00:57 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/142 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/161 This article presents a pioneering analysis of theatrical representations of the Armenian Catastrophe, applying Marianne Hirsch’s postmemory theories. It unveils the intricate connection between generational memory transmission and the dramatic structure of The Armenian Question, a two-act documentary courtroom drama co-written by Armenian-American director Anna Antaramian. Through a formal analysis of the script, supplemented by insights from correspondences with Antaramian and the Eastern Diocese of the Armenian Church of America, archival research, and play reviews, this study reveals how The Armenian Question translates real-life survivor interviews, the co-writer’s personal history, emotional responses, and processes of imaginative remembrance, into its documentary framework. It identifies dramaturgical elements that illustrate Hirsch’s concept of postmemory and demonstrates how theatre effectively communicates traumatic narratives of the past to the audience. This research deepens the understanding of traumatic events for both American and Armenian audiences, offering a more nuanced and subjective perspective. By bridging theory with practical insights, it contributes to the broader discourse on postmemory, trauma representation, and the transformative potential of theatre to engage with and reflect upon the legacies of collective suffering. Cet article présente une analyse novatrice des représentations théâtrales de la Catastrophe arménienne en appliquant les théories de la post mémoire de Marianne Hirsch. Il révèle l’interconnexion complexe entre la transmission de la mémoire générationnelle et la structure dramatique de La Question arménienne, un drame documentaire en deux actes co-écrit par la réalisatrice arméno-américaine Anna Antaramian. À travers une analyse formelle du texte de la pièce, complétée par des informations issues de correspondances avec Antaramian, du Diocèse oriental de l’Église arménienne d’Amérique, de recherches archivistiques et des critiques de la pièce. Cette étude révèle comment La Question arménienne explore les réponses émotionnelles et les processus de mémorisation imaginative dans le cadre documentaire grâce à des entretiens avec les survivants et l’histoire personnelle de la co-auteure. L’analyse identifie les éléments dramaturgiques qui illustrent le concept de post mémoire de Hirsch et démontre comment le théâtre tente de communiquer les récits traumatiques du passé au public. Cette recherche approfondit la compréhension des événements traumatiques à la fois pour le public américain et arménien, offrant une perspective plus nuancée et subjective. En établissant un lien entre la théorie et des perspectives pratiques, elle contribue au discours plus large sur la post mémoire, la représentation du traumatisme et le potentiel transformateur du théâtre questionnant les héritages de la souffrance collective. lun., 06 janv. 2025 15:34:03 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/161 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/181 This paper addresses several elements to be found in hip hop culture regarding the antinormative performativity of Black masculinity/-ies by African American LGBTQ+ rappers. It focuses on the emancipative catharsis at the center of much of hip hop culture. With the examples of rappers Kevin Abstract, Lil Nas X and singer Franck Ocean, I explore the queer intersectional position of U.S. hip hop queer music and probe the LGBTQ+ dynamics that have come into the spotlight. Through their music videos, their onstage performances, and the very content of their lyrics, I analyze both form and message to assess their impact on their audience. In this respect, the interpretation of YouTube “Reaction” videos is a precious measure of the reception of these messages by people of African American descent. These performances and responses are addressed as phenomena, namely as objects reflecting the emancipative goals of the performers in their decisive relation to their audience. Cet article interroge plusieurs éléments concernant la performativité anti-normative des masculinités noires de rappeurs LGBTQ+ africains américains. En m’arrêtant sur les rappeurs Kevin Abstract, Lil Nas X et le chanteur Franck Ocean, j’analyse la position intersectionnelle queer du hip hop étasunien et j’examine les dynamiques LGBTQ+ qui en émanent. Au travers de leurs vidéo-clips, leurs performances scéniques et les paroles de leur chanson, j’étudie à la fois la forme et le message et je mesure leur impact sur le public. Les vidéos de réaction sur la plateforme YouTube sont une mesure précieuse de la réception de ces messages par les Africains Américains. Ces performances et les réponses qu’elles engendrent sont analysées en tant que phénomènes, c’est-à-dire en tant qu’objets reflétant le but d’émancipation des performers dans leurs relations au public. mer., 08 janv. 2025 09:45:18 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/181 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/197 Cet article porte sur le travail des Pomo Afro Homos, une troupe de San Francisco, en particulier sur trois sketches tirés de leurs spectacles Fierce Love (1991) et Dark Fruit (1992) pour mettre en lumière une double exclusion : d’une part l’homophobie que subissent les performeurs au sein de leurs communautés noires et d’autre part le racisme auquel ils sont confrontés dans les milieux gay. À ces deux grands axes d’exclusion s’ajoute l’efféminement qui les cantonne à des rôles secondaires dans des grandes œuvres tel que Angels in America (1991/1992) et La Cage aux Folles (1983). Les créations des Pomo Afro Homos commentent l’échec du théâtre dans son objectif de remplir un rôle inclusif à l’instar de la ballroom culture que ces deux pièces évoquent constamment. Focusing on three skits from their shows Fierce Love (1991) and Dark Fruit (1992), this article examines the work of San Francisco-based troupe Pomo Afro Homos, to highlight a double exclusion: on the one hand, the homophobia the performers suffer within their black communities, and on the other, the racism they are confronted to in gay environments. In addition to these, effeminacy takes the exclusion even further, reserving them only supporting roles in blockbusters such as Angels in America (1991/1992) and La Cage aux Folles (1983). The creations of Pomo Afro Homos comment on the failure of theater to pursue an inclusive role, like the ballroom that these two plays constantly evoke. mer., 08 janv. 2025 15:15:11 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/197 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/209 Cet article a pour but de définir la performance queer dans sa spécificité afin de rendre compte de son efficacité politique. Pour ce faire, il part de deux théories esthétiques queer, celle de Muñoz sur la désidentification et celle de Lorenz sur le drag radical, afin de montrer à partir d’elles que les performances queer sont des expériences politiques dans la mesure où elles sont aussi éthiques : elles visent à tester les limites des normes qui définissent les identités. Ce résultat est approfondi pour montrer que les performances agissent au niveau de ce qui fonde ces normes identitaires : nos désirs dans leur nature profondément normative, nos désirs comme produits et producteurs des normes. C’est en s’adressant à nos affects normatifs et en cherchant à les transformer que les performances queer résistent politiquement aux normes qui nous traversent. Ce résultat est finalement intelligible grâce à une conception spinoziste-deleuzienne du désir comme force de production normative, contre une conception psychanalytique du désir, et conduit à définir la performance queer comme ce qui expérimente les limites normatives de nos désirs, et le queer comme ce désir-autre des normes. This article aims at defining queer performance in its specificity in order to give an account of its political efficiency. To do so, I rely on two queer aesthetic theories, namely Muñoz’s disidentification and Lorenz’s radical drag, in order to show that queer performances are political experiences to the extent that they are also ethical: they want to play with the limits of norms which define identities. This result is taken a step further to demonstrate that performances act at a foundational level that produces identity norms, that is to say, the deeply normative nature of desire, whereby desires are both products and producers of norms. By addressing our normative affects and seeking to transform them, queer performances can politically resist the norms shaping us. This result is finally understandable thanks to a spinozean-deleuzean conception of desire as a normative force of production, as opposed to a psychoanalytic conception of desire, and leads us to define queer performance as the experimentation on the normative limits of our desires, and queer as this desire-other of norms. lun., 13 janv. 2025 08:54:49 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/209 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/219 lun., 13 janv. 2025 09:44:14 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/219 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/221 lun., 13 janv. 2025 10:00:42 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/221 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/223 lun., 13 janv. 2025 11:55:36 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/223 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/225 Que s’est-il passé pour qu’un dramaturge phare du théâtre britannique à destination des adultes ait soudainement décidé d’écrire pour une petite compagnie de théâtre en milieu scolaire ? Empruntant aux Cultural Studies et à la sociologie de la littérature, ce mémoire de recherches rend compte de ce qui s’est joué politiquement et dramaturgiquement pour Edward Bond entre 1985 et 1995 pour le conduire à se reconvertir dans le théâtre jeunesse, alors que cette forme d’écriture est souvent envisagée par la critique comme une sous-littérature dramatique. Ce mémoire aborde les points de théorie politique, philosophique et dramaturgique sur lesquels Edward Bond fonde un réquisitoire sans concession et un rejet catégorique du théâtre britannique contemporain destiné aux adultes. On cherche également à y décrire les politiques publiques thatchériennes en matière d’arts et d’éducation, dans la mesure où ce contexte politique a favorisé à la fois la rupture du dramaturge avec les grands théâtres nationaux et l’apparition du mouvement du Theatre in Education, né en 1965 dans le sillage des théories de “l’éducation nouvelle” (New Education) de l’entre-deux-guerres. Ce travail historiographique cherche à décrire les déplacements qu’Edward Bond effectue dans le champ du théâtre britannique, qui connait des mutations profondes à la fin du XXe siècle. Il apparaît que les collaborations d’Edward Bond et des agents du Theatre in Education sont le produit d’une lutte théâtrale commune contre l’idéologie du libéralisme et en faveur de l’émancipation des enfants. What does it take for a canonic dramatist known for his plays for adults to suddenly decide to write for a small theatre company touring in British schools? Borrowing tools from the Cultural Studies as well as sociology of literature, this master’s thesis depicts what took place for Edward Bond politically and dramatically between 1985 and 1995. It is argued the historical situation has encouraged him to change his career path working for children’s theatre, even though this genre is often categorised as subliterature by literary critics. This work addresses various elements of the political, philosophical and dramaturgical theory that Edward Bond has developed throughout the years to severely criticise and categorically reject modern British adults’ theatre. Margaret Thatcher’s public policies regarding arts and education are largely described and analysed, since this political context favoured both the dramatist ceasing his collaboration with national theatres and the apparition of the Theatre in Education movement in 1965, in the wake of the New Education theories of the interwar period. This historiographical master’s thesis tries to describe Edward Bond’s shiftings across the British theatre field, which underwent deep and lasting mutations at the end of the last century. It appears that the collaborations between Edward Bond and Theatre in Education companies are the result of a common theatrical struggle against the ideology that produces liberalism, and in favour of the emancipation of children. lun., 13 janv. 2025 13:40:11 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/225 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/100 mer., 18 déc. 2024 13:42:12 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/103 mer., 18 déc. 2024 15:25:14 +0100 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/103 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/844 mar., 10 juin 2025 11:05:42 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/844 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/1274 lun., 06 juil. 2026 11:35:40 +0200 http://www.peren-revues.fr/coupdetheatre/1274