https://www.peren-revues.fr/demeter/248 Entrées d’index fr 0 https://www.peren-revues.fr/demeter/2345 Cet article propose de réinterroger les relations entre phénomène théâtral, spectacle et performance, à partir de Feijoada, un spectacle de Calixto Neto créé en 2021, qui mobilise les pratiques culturelles afro-brésiliennes – notamment la roda de samba – pour composer une forme hybride mêlant performance, musique, parole et cuisine, et engageant le public dans une expérience collective. Le spectacle invite à porter une attention particulière à l’engagement mutuel et aux dynamiques relationnelles. En convoquant des traditions populaires marginalisées, il questionne les normes esthétiques modernes et fait émerger un autre rapport au spectacle, à la connaissance et à l’expérience artistique collective. À travers les témoignages de Calixto Neto et la pensée du musicien Abel Luiz, l’article met en lumière la manière dont Feijoada articule pratique théâtrale et pensées décoloniales. Il montre que le théâtre, au-delà de la représentation, constitue un terrain unique dans nos sociétés : un espace propice à la coexistence d’une multiplicité de formes, d’expériences et de fonctions. Ce faisant, Feijoada ravive la singularité du théâtre et du spectacle vivant. This article seeks to re-examine the relationships between theatre, performance, and representation through Feijoada, created in 2021 by Calixto Neto. Drawing on Afro-Brazilian cultural practices – notably the roda de samba – Feijoada creates a hybrid form that blends performance, music, speech, and cooking, engaging the audience in a collective experience. The performance calls for particular attention to mutual engagement and relational dynamics. By invoking marginalized popular traditions, it challenges modern aesthetic norms and generates a different relationship to spectacle, knowledge, and collective artistic experience. Through the testimonies of Calixto Neto and the reflections of musician Abel Luiz, the article highlights how Feijoada connects theatrical practice with decolonial thought. It shows that theatre, beyond representation, constitutes a unique space in our societies : a space that fosters the coexistence of multiple forms, experiences, and functions. Doing so, Feijoada revives the singularity of theatre and live performance. jeu., 08 janv. 2026 14:07:04 +0100 mar., 10 mars 2026 14:36:58 +0100 https://www.peren-revues.fr/demeter/2345 https://www.peren-revues.fr/demeter/2354 Entre théâtre, art-performance, cinéma, photographie, l’œuvre de Jack Smith résiste aux catégories établies, défiant toute assignation disciplinaire claire. Figure marginale mais profondément influente des avant-gardes new-yorkaises, Smith sert ici de point d’ancrage pour envisager les diverses acceptions et traductions du terme « performance ». Cet article s’attache à revisiter le partage théâtre/performance à partir de l’univers singulier de Smith, structuré par le recyclage poétique de matériaux cinématographiques de série B et par une dramaturgie de la fragilité assumée, dont la stratégie artistique et éthique repose sur une alliance d’ambition et d’échec attendu. Loin de rejeter le théâtre et la théâtralité, Smith se garde toutefois de situer sa démarche en fonction de critères disciplinaires. Son travail interroge aussi l’économie symbolique de l’art : comment conjuguer résistance esthétique et survie dans un monde obéissant aux codes du marché ? Prenant pour fil conducteur le titre Attends-moi au fond de la piscine, à la fois manifeste, scénario et mot de passe poétique, l’article analyse comment la réception critique a tenté de circonscrire l’œuvre de Smith, sans parvenir à en neutraliser l’indiscipline fondatrice. En retour, il éclaire les enjeux épistémologiques et politiques du champ des performance studies, en les confrontant à un artiste dont l’héritage invite à associer théâtralité, marginalité et puissance subversive du faux. Navigating between theatre, performance art, cinema and photography, Jack Smith’s work resists established categories, defying any clear disciplinary assignment. A marginal but profoundly influential figure in the post-WWII New York City avant-garde, Smith serves here as a point of reference to weigh in on the multiple meanings and translations of the term “performance”. This article revisits the theatre/performance divide through the lens of Smith’s singular universe, structured by the poetic recycling of B-movie material and a dramaturgy of accepted fragility, whose artistic and ethical strategy relies on an alliance of ambition and expected failure. Far from rejecting theater and theatricality, Smith is careful not to situate his approach based on disciplinary criteria. His work also questions the symbolic economy of art: how can aesthetic resistance be combined with survival in a world in which market laws prevail? Using the title Wait for Me at the Bottom of the Pool – a manifesto, scenario and poetic shibboleth rolled into one –, the article analyzes how critical reception has attempted to circumscribe Smith’s work, without succeeding in neutralizing its foundational indiscipline. In turn, it highlights the epistemological and political issues at work in the field of performance studies, confronting them with an artist whose legacy extends an invitation to combine theatricality, marginality and the subversive power of the faux. lun., 12 janv. 2026 13:33:00 +0100 lun., 02 mars 2026 10:15:53 +0100 https://www.peren-revues.fr/demeter/2354 https://www.peren-revues.fr/demeter/2373 Les connotations négatives attribuées à l’adjectif « théâtral » ont nourri des positions esthétiques contradictoires vers le milieu du XXe siècle. Chez Fried, il qualifie la présence littérale de l’objet dans la sculpture minimaliste, dans une situation partagée avec le spectateur, ce qui mine l’autonomie de l’œuvre, tandis que les performeurs de la scène expérimentale new-yorkaise des années 1960 voient dans cette dimension relationnelle la clé des performances non-théâtrales qui rejettent la virtuosité du comédien et l’autorité d’un texte prescriptif stable sur le spectacle. Plutôt que de trancher en faveur de l’une de ces définitions du théâtre pour circonscrire négativement des pratiques artistiques autres, cet article étend la thèse de Schechner du happening comme « théâtre post-dramatique » (Performance Theory, 1977) à plusieurs figures de la performance du début des années 1960, pour envisager avec H.-T. Lehmann les différents modes d’« éloignement (…) des traditions de la forme dramatique » et de mise en suspens de ses normes. Les analyses de scripts non mimétiques de Jackson Mac Low, Simone Forti ou de performances historiques de Yoko Ono mettent en lumière la persistance de la symbolisation. Ces dispositifs qui articulent plusieurs lieux incitent à penser les pratiques performatives sous une perspective processuelle afin d’éclairer les reconfigurations sous-jacentes à la formation d’un collectif en mouvement constant, et à conclure sur l’hypothèse d’une pantextualité plus proche du théâtre poétique d’une Gertrude Stein que du rejet du verbe prôné par Antonin Artaud. The negative connotations associated with the adjective "theatrical" have served contradictory aesthetic perspectives towards the mid-20th century. M. Fried used it to qualify the literal presence of the object in minimalist sculpture in a situation including the beholder, which then undermines the autonomy of the work; whereas in the New York experimental performance scene of the 1960s, this relational dimension is seen as a key to nontheatrical performances that discard the actor’s virtuosity as much as the authority of a stable script over the performance.Far from leaning towards one of these definitions of theatre in order to negatively delineate alternative practices, this article extends R. Schechner’s conception of happenings as "postdramatic theatre" (Performance Theory, 1977) to several performers of the early 1960s, thus envisioning, along with H-T. Lehmann, different modes of "renunciation of the traditions of dramatic form" through the suspension of its norms. Analyses of scripts by Jackson Mac Low, Simone Forti and of historical performances by Yoko Ono shall serve to highlight the persistence of symbolization. These apparatuses, in their articulation of several places, spur us to consider performative practices from a processual perspective – especially if one wishes to highlight the reconfigurations inherent in ceaselessly shifting collective formation – and to eventually assume their pantextuality, which makes them more akin to the poetic theatre of Gertrude Stein than to Antonin Artaud’s rejection of logocentrism. mar., 13 janv. 2026 09:49:53 +0100 ven., 30 janv. 2026 15:26:13 +0100 https://www.peren-revues.fr/demeter/2373 https://www.peren-revues.fr/demeter/238 Cet enregistrement sonore témoigne des propos tenus par Laetitia Doat suite à une performance qu’elle a donnée un peu plus tôt dans la matinée au sein du LaM en hommage à l’œuvre de Michel Nedjar. Les questionnements artistiques de la danseuse sur sa propre prestation ne sont que prétextes pour partager un regard analytique sur l’œuvre du plasticien depuis les notions d’image du corps et de corporéité. À la fin de cet exposé, Michel Nedjar rebondit sur les propositions de Laetitia Doat. Un temps d’échange et de partage est engagé dans la salle.  This soundtrack relays Laetita Doat's speech she gave after her performance earlier in the morning at the LaM: a tribute to Michel Nedjar’s work. The dancer's artistic questions about her own performance are just a pretext for sharing an analytical focus on the artist's work from notions of the body image and corporeality. To conclude Michel Nedjar explores Laetitia Doat's proposals. An exchange follows with the audience. jeu., 17 févr. 2022 13:47:37 +0100 lun., 20 juin 2022 13:25:46 +0200 https://www.peren-revues.fr/demeter/238